NATURALEZAS DIVERGENTES
El bodegón fotográfico contemporáneo mexicano no es únicamente un corriente artística es un rasgo cultural. En él se revelan prácticas, memorias, objetos y miradas que documentan un aquí y un ahora específico: el de una cultura que ha construido su identidad precisamente a través de su diversidad irreducible.
Esta exposición surge del vínculo, el que se construye cuando un grupo de personas decide explorar juntas un territorio que ninguna tiene completamente resuelto. ¿Qué es el bodegón fotográfico en el México de hoy? No como pregunta retórica sino como apertura genuina a un diálogo, y a una definición que está todavía por escribirse. Como señala Eva Respini, curadora del ICA Boston: "cada bodegón está estampillado en el tiempo, es inevitablemente un documento del momento en que fue creado.”
El bodegón, en su historia más larga, siempre fue el género de la libertad. Mientras el artista cumplía encargos y satisfacía mecenas, el bodegón era el espacio donde se soltaba la creatividad, donde disponía lo que le importaba, iluminaba lo que le conmovía, y en ese acto revelaba, sin proponérselo, quién era. Esa libertad no ha desaparecido. Ha cambiado de forma.
"Sin importar cuán insignificantes parezcan, la vida de los objetos revela la nuestra propia. Nos representan y nos contienen, como fragmentos tangibles de nosotros mismos." — Melanie Vandenbrouck, curadora, Pallant House Gallery. El bodegón fotográfico mexicano lo demuestra con particular intensidad: hay una profundidad en la cotidianidad, una relación sin distancia con la muerte, una abundancia de color y símbolo que es constitutiva de esta cultura. La serendipia y la creatividad no son accidentes en México, son métodos.
Lo que se presenta en esta exposición es el trabajo de siete fotógrafos que, desde universos personales y estéticos muy distintos, se acercaron a este género con honestidad. Cada uno desde su propio borde, personal, profesional, existencial. Cada uno con su propia voz, su propia luz, su propia manera de disponer los objetos frente al lente.
Esas voces no se mezclan. No pretenden hacerlo. Lo que esta exposición propone no es la fusión de sus diferencias sino su coexistencia, y en esa coexistencia hay una declaración cultural que va más allá del bodegón: la tolerancia como práctica viva. No la tolerancia de la incomodidad resignada, sino la del acompañamiento, la empatía y el respeto genuino a lo que el otro es, sin necesidad de convertirlo en algo familiar.
El proceso mismo de esta exposición fue un acto de tolerancia. Los fotógrafos se encontraron como colegas y compañeros, aprendieron a mirarse, a reconocerse, a coexistir con sus diferencias. Esa conversación, invisible en la primera capa de la obra, es parte fundamental de lo que aquí se presenta. A esa diversidad que no se borra, que no se homogeneiza, que persiste y se respeta, podemos llamarla también resiliencia. Y la resiliencia, en México, no es una virtud abstracta es una forma de estar en el mundo.
Daniela Esponda . Curadora
Irlanda Orrostieta Díaz
Irlanda no es una artista común. A lo largo de más de veinte años ha explorado el mundo y todas sus preguntas a través de la imagen, y nunca ha dejado que ese gozo le ocurra solo a ella. Ha encontrado siempre la forma de que otros vivan lo que la fotografía le da a ella, convirtiendo la enseñanza en un acto genuino de generosidad y contagio. Su forma de explorar el mundo y de construir conversaciones a través de las fotografías habla no solo de una maestra sino de una persona que se sincera y se aventura con el lente, que propone preguntas antes de tener respuestas, que invita antes de declarar. Esta exposición nació de esa invitación.
"La naturaleza muerta documenta un arraigo o desarraigo, y revela prácticas culturales."
Irlanda comenzó cubriendo manzanas gringas con cáscaras de productos mexicanos. Una piel sobre otra. Una frontera que coexiste sin borrarse. A través del bodegón encontró su propia respuesta a una pregunta que la habitaba: ¿dónde empieza lo propio y dónde lo ajeno? La naturaleza muerta, en sus manos, documenta un arraigo o un desarraigo, y revela prácticas culturales.
Andrés Oropeza
Biólogo de formación, fotógrafo por vocación, Andrés habita un mundo donde la escala de nuestros ojos no alcanza a ver todo lo que existe. Su práctica nació de la observación científica, la macrofotografía como herramienta para llevar el micromundo a una escala visible, y se fue transformando en algo más íntimo: el registro de los momentos precisos que están ahí, esperando con ansia a ser valorados y fotografiados.
Lo que hace Andrés no viene de la maquinación ni del estudio controlado. Viene de la tranquilidad, de la observación fugaz del día a día. Sus bodegones son hallazgos de la Ciudad de México — encontrados, no construidos — que hablan de una cultura con una honestidad que no se puede fabricar.
"La máquina fotográfica es un transporte a la introspección."
Andrés explota objetos de su cotidianidad porque en ellos identifica personajes del tiempo que habita; una botella de anís tirada en la banqueta, un vaso antiguo en la alacena, un ramo de flores en un bote de plástico o la vida detrás del ciberespacio. Sus bodegones no solo se construyen, también se encuentran en las calles de la Ciudad de México bajo la espontaneidad de nuestra cultura.
Octavio Acevedo Rubio
Un ojo que encuentra deleite en la luz — la aprecia y la fotografía. Lo que Octavio nos permite ver en sus imágenes es el comportamiento de la luz en los objetos: cómo los transforma, cómo los eleva, cómo los convierte en algo digno de detenerse a mirar. La fotografía es para él un momento de ser artista y un momento de goce, un espacio de tranquilidad donde expresar la cotidianidad y la belleza que admira del mundo. En esta exposición, Octavio se acerca por primera vez al bodegón como género, y en ese gesto inaugural hay una honestidad que no necesita justificarse.
"¡ME ENCANTA!"
Octavio lleva años aprendiendo a fotografiar la luz. Esa misma pericia cuidadosa habla en sus fotografías. Una fascinación por la imagen que viene de una camarita Yashica que le regaló su papá de niño, y de la convicción de que las fotos, buenas o malas, nos recuerdan quiénes somos. Un jitomate en un pedestal no es casualidad es una declaración de amor por lo cotidiano.
Emilio Fragoso
Emilio no fotografía — construye imágenes. Rompe planos, elige colores con intención, convoca objetos que han ocupado su cabeza y sus pensamientos, y los muestra en su propia forma y estilo. En ese proceso no solo reta el concepto de bodegón, reta el concepto mismo de fotografía. Su obra nace de un lugar genuino de creatividad e ingenio, donde tres décadas de vida paralela entre los números y las imágenes han producido una voz que se vuelve más segura y más declarativa cuando sus fotografías cobran vida en grande. Es en ese formato donde su trabajo encuentra su escala natural.
"Hago fotografía porque es la única manera que tengo para conservar las huellas del paso de la fugaz y veleidosa luz en nuestras vidas."
Emilio desplaza objetos de su lugar de origen, los lleva a otro escenario y los convierte en protagonistas. Conjunta lo natural y lo creado por el hombre, lo funcional y lo ornamental, lo religioso y lo profano. En ese desplazamiento que él llama manuport los objetos pierden su función para ganar simbolismo.
Fabrizio López-Gallo Dey
Memento lucem — recuerda la luz. Así define Fabrizio su práctica fotográfica: un acto de resistencia ante la desaparición, un registro de lo que todavía se puede ver. Su obra nace de una urgencia personal que no necesita ser explicada para ser sentida, está en cada objeto que elige, en cada encuadre que construye con precisión y contención.
En su impecabilidad visual y técnica permite una mirada genuina y auténtica de su propia verdad. La comparte de una manera que revela una personalidad mensurada, tranquila, al borde, pero presente.
"No son un memento mori. Buscan ser un memento lucem."
Fabrizio fotografía como acto de resistencia. Ante la huida de la luz, el lente se convierte en memoria, en testigo, en legado. Sus bodegones no hablan de muerte, hablan de la urgencia de ver mientras se puede. Un memento lucem: recuerda la luz.
Edgar Ortiz Loyola
Edgar se permite romper mundos y realidades. Siempre en búsqueda de mejora y exploración personal, la fotografía es para él un vehículo — no un destino. A través de ella se expresa y se encuentra, y en esas imágenes que buscan la perfección aparecen siempre lugares nuevos de él mismo y de su propia personalidad.
Después de casi tres décadas como académico, Edgar inicia una nueva etapa donde la fotografía ocupa un lugar central. Esta exposición es parte de ese umbral, un primer paso visible hacia una práctica de muchos años que comienza una nueva trayectoria.
"La fotografía se transformó en una herramienta de mindfulness y presencia absoluta."
Edgar heredó de su padre el amor por la imagen. Entre montañas y costa, en Nueva Zelanda, la cámara se convirtió en un instrumento de introspección. Sus bodegones relojes de bolsillo, cámaras analógicas, velas, diapositivas son un memento mori y un amor fati: un homenaje a lo que ya no está y una meditación sobre lo que permanece.
Muro
Muro trabaja desde la imagen como construcción. Sus piezas operan en el límite entre la fotografía y la intervención, entre el objeto encontrado y el objeto fabricado.
